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Si svolger\u00e0 marted\u00ec 27 luglio 2010, alle ore 11 nella Sala Conferenze (ex Sala Giunta) la conferenza stampa per il “Workshop di scultura” che si svolger\u00e0 a Castroreale, presso la scuola media \u201cGiuseppe Garibaldi\u201d, dal 17 al 24 agosto 2010 e che vedr\u00e0 come protagonista lo scultore Hidetosci Nagasawa, nato in Manciuria (Cina) da genitori giapponesi.Biografia di Hidetoshi Nagasawa<\/strong> Si svolger\u00e0 marted\u00ec 27 luglio 2010, alle ore 11 nella Sala Conferenze (ex Sala Giunta) la conferenza stampa per il “Workshop di scultura” che si svolger\u00e0 a Castroreale, presso la scuola media \u201cGiuseppe Garibaldi\u201d, dal 17 al 24 agosto 2010 e che vedr\u00e0 come protagonista lo scultore Hidetosci Nagasawa, nato in Manciuria (Cina) da genitori…<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":11009,"comment_status":"closed","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[19],"tags":[4613,6782,23015,4632,2600,3621,17675,10102,20446,23016,3539,3398,3222,2444,4188,23014],"class_list":["post-11493","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-c40-cultura","tag-artista","tag-castroreale","tag-cinese","tag-civico","tag-conferenza-stampa","tag-del","tag-esposte","tag-genitori","tag-giapponese","tag-hidetosci-nagasawa","tag-museo","tag-opere","tag-presentazione","tag-scomunicando","tag-scultore","tag-workshop-di-scultura"],"yoast_head":"\n
Hidetoshi Nagasawa nasce in Manciuria (da genitori giapponesi, ivi trasferitisi per il lavoro del padre, medico militare) il 30 ottobre del 1940. Durante il conflitto mondiale con l’attacco dell’Unione Sovietica la famiglia costretta a fuggire in Giappone, vicino Tokyo. In questi difficili anni minati dalla guerra, Nagasawa frequenta la scuola secondaria dove si avvicina all’arte contemporanea aprendosi ai gruppi d’avanguardia (Neo-Dada) e in particolar modo scoprendo l’attivit\u00e0 del gruppo Gutai (di cui ammira la creativit\u00e0, la libert\u00e0 di espressione attraverso le loro Azioni e la novit\u00e0 del linguaggio – con ogni mezzo si pu\u00f2 esprimere l’idea – in opposizione alla tradizionale cultura accademica dell’ambiente artistico giapponese) visitando le loro ripetute Esposizioni Indipendenti organizzate al Museo di Tokyo dal giornale Yomiuri News Paper fino al 1964. Nel 1963 si laurea al corso di Architettura e Interior Design e in seguito lavora in uno studio di design di un grande magazzino e poi in uno studio di architettura. Nel 1966 inizia il suo – quanto mai fondamentale e per la sua vita e per la sua arte – viaggio in bicicletta attraverso l’Asia toccando Bangkok, la Malesia, Singapore, l’India, il Pakistan, l’Afghanistan, la Persia, l’Iraq, la Giordania, il Libano, la Siria, la Turchia. Dall’Oriente all’Occidente, dalla Grecia all’Italia, da Brindisi a Napoli, Roma, Firenze e Milano, dove nel 1967 si conclude la sua irripetibile avventura (tipicamente zen: non proporsi dove arrivare, ma far tesoro di ogni esperienza vissuta per il raggiungimento del profondo s\u00ec – che per l’artista si sublimer\u00e0 con la pratica dell’Arte). Negli anni Sessanta a Milano si respira un clima di stimolante fervore artistico (l’esperienza dell’operato di Manzoni, di Fontana, e ora dell’Arte Povera) al quale non si sottrae Nagasawa che, trasferendosi nel quartiere operaio di Sesto San Giovanni, entra in contatto con artisti come Castellani, Fabro, Nigro, Trotta, Ongaro. In particolar modo stringer\u00e0 una forte amicizia con Fabro. Dal 1968 il lavoro di Nagasawa procede senza interruzioni creando i Solidi di plexiglas, gli Oggetti manipolati, le Azioni nella campagna lombarda. Nello stesso anno prende parte all’Art Festival di Anfo – Brescia – insieme al Gruppo Torinese (Marisa Merz, Getulio Alviani, Nanda Vigo). Dei primi anni Settanta le prime personali, a Milano (Gallerie Lambert, Toselli), Roma (Gallerie L’Attico, Arco d’Alibert), Torino (Galleria Christian Stein) in cui l’artista rivela un suo percorso che si inserisce nell’ambito dell’Arte Concettuale passando dai video alle parole, concepite come elemento visivo, incise su lastre metalliche. In questi anni prende corpo anche una vera e propria produzione scultorea, con l’impiego dell’oro, del marmo, del bronzo. Nel 1972 partecipa alla XXXVI Biennale di Venezia e sviluppa un importante rapporto di lavoro con Ardemagni della galleria milanese Arte Borgogna, che cura il catalogo della mostra dello stesso anno tenuta da Nagasawa a Basilea, Internationale Kunstmesse Art 3 ’72, con testi di Pierre Restany e Gianni Schubert. Questo decennio ed il successivo vedono l’artista cimentarsi con successo in una produzione vasta e varia per temi (l’impronta del corpo, lo spazio, il tempo), mezzi di espressione, materiali (legno, ferro, cera, carta, bamb\u00f9). Riscopre il valore della manualit\u00e0 e la scultura si espande su scala spaziale, risolvendosi in vera e propria creazione di ‘luoghi’ (tra i soggetti ricorrenti, dimore, stanze, porte, muri, recinti, barche, paraventi). I riferimenti alla cultura orientale si accentuano; il tema del viaggio come passaggio tra diverse realt\u00e0, il bilico delle sue opere tra visibile e invisibile, la materialit\u00e0 della scultura che si rende leggera e trasparente sono condizioni determinanti nella manifestazione del proprio linguaggio. Conseguentemente, gli impegni espositivi nazionali ed internazionali in personali e collettive, in spazi pubblici: 1978, Firenze, Palazzo Strozzi; 1982 e ’88, Biennale di Venezia; Galleria Comunale d’Arte Moderna, Bologna e privati: 1981, Galleria Sperone, Torino. Si susseguono Documenta di Kassel (1992), Biennale di Venezia (1993) – con sala monografica nel Padiglione Italiano – International Exhibition Center di Tokyo (1995, Giardino delle Sette Fontane, il primo giardino realizzato dall’artista), Fattoria di Celle di Pistoia (Iperuranio) e Fondazione Mir di Palma di Mallorca (1996, Jardin), Palazzo della Triennale di Milano e Palazzo Pretorio di Certaldo (2001, Giardino della casa del t\u00e8), Palazzo delle Stelline di Milano (2002), Il Caff\u00e8 Letterario di Modena (2003). Molte sono anche le collezioni pubbliche e private, in America, Belgio e Giappone, che espongono i suoi lavori.
Il lavoro di Nagasawa \u00e8 strettamente legato alla filosofia orientale, le sue opere sono sempre molto evocative e hanno un forte valore simbolico e lirico, in loro l\u2019artista fonde le eredit\u00e0 spirituali dell\u2019Oriente\u00a0 e quelle dell\u2019Occidente .
Nagasawa rende visibili forze invisibili, cercando la forza dell\u2019equilibrio e\u00a0 un contatto diretto con le cose, con il loro \u201cinteriore\u201d, nel corso di trent\u2019anni, infatti, il suo lavoro \u00e8 cambiato si \u00e8 trasformato, ma ha seguito una sua coerente, naturale evoluzione.
Le opere di Nagasawa danno corpo all\u2019ombra e sono il corpo dell\u2019ombra, nascono e si collocano nello spazio Zen del \u201d Ma\u201d,\u201d La soglia\u201d, un luogo fisico e mentale dove si concentrano tutte le energie; possiamo dire che le sue opere sono come gli Haiku poetico-filosofici dove c\u2019\u00e8 estrema concisione, semplicit\u00e0, essenzialit\u00e0 e condensazione di pensiero che stimola l\u2019immaginazione.
L\u2019artista fa levitare marmo, ferro, legno ed altri materiali, innescando un sistema di leve, di spinte reciproche e di incastri, privo di bulloni, viti, o saldature. Per il fruitore la sensazione \u00e8 quella di un guardare obliquo, indiretto, un\u2019osservazione \u201cyin\u201d, che scivola in uno spazio austero, sottratto alle accelerazioni della cultura metropolitana, dove il tempo risulta pausato da una dimensione di \u201cdormiveglia\u201d, una dimensione in bilico tra il sonno e la veglia. Qui hanno inizio le spedizioni nella profondit\u00e0 del \u201ctempo zero\u201d, una profondit\u00e0 intrisa di percezioni oniriche e di stimoli tattili, calibrati dal proprio spirito e dal proprio soffio: \u00abquando il tempo si muove pi\u00f9 adagio, un profumo attraversa lo spazio. Quando il profumo aumenta d\u2019intensit\u00e0 si avvicina il tempo zero. Il tempo zero \u00e8 la via che congiunge i due mondi\u00bb (Nagasawa).
Il pensiero di Nagasawa rompe i netti confini della realt\u00e0 razionale, la supera per entrare in un\u2019altra realt\u00e0. Questa realt\u00e0 differente \u00e8 una dimensione sensibile di vicinanza con la materia e lo spirito, con ci\u00f2 che \u00e8 visibile ed invisibile. Un territorio di passaggio e di tensione verso una superficie ricca di accadimenti visivi e di sconvolgimenti psichici.
Nagasawa parla spesso di natura parallela o doppia, dove indicare la possibilit\u00e0 di un varco, insieme l\u2019esistenza di una soglia che possa mettere in comunicazione i fenomeni e le cose con i corpi umani. Presenza adibita alla meditazione, in cui si annidano intervalli di tempo, vuoti pieni di \u201cdensit\u00e0\u201d interiori, dove le cose palpabili e impalpabili si confondono in un estatico silenzio.
Il luogo metafisico dell\u2019artista ci avvicina ad una sfera psicofisica di equilibrio e di armonia, riferibile all\u2019idea di un vuoto che \u00e8 pienezza e totalit\u00e0: \u201cil vuoto, il silenzio, il non-agire sono la livella dell\u2019equilibrio dell\u2019universo, la perfezione della vita e della virt\u00f9\u201d.
Pari alle posture lente e silenziose del registro scenico del teatro N\u00f4 (Nogaku), o ai gesti ponderati durante la cerimonia del t\u00e8, la composizione delle opere sembra muovere verso la relazione illimitata ad una totalit\u00e0. Il rigore formale e la semplicit\u00e0 degli elementi, invitano all\u2019attenzione verso l\u2019essenziale, svolta attraverso la sua estensione nello spazio: uno scambio emozionale mediante il quale si instaura la purificazione di un\u2019animo carico di sensazioni.
Quella tracciata da Nagasawa \u00e8 una zona di sospensione del reale che si fa spazio sensoriale dai risvolti inattesi, dove, sparito il confine, si instaura una osmosi tra la mancanza e la presenza creativa, tra riflessi inafferrabili ed impalpabili.
Nagasawa arrotola, piega, ritaglia superfici di rame, ottone, carta, le contamina a volte con acidi che dipingono macchie dal verde-azzurro al nero fumo. Si alternano interventi diversi utili ad una orchestrazione luminosa seguita attraverso reticoli di tubi d\u2019ottone e nastri di rame, pieghe inventate con fogli d\u2019ottone. Nagasawa dota la superficie di una plasticit\u00e0 animosa e incessante.
La fattura \u201captica\u201d di un\u2019immagine di Nagasawa pu\u00f2 risolversi in un\u2019appercezione puramente ottica, favorendo la mente oltre che i sensi. Oltrepassa le vie praticate dal modernismo, che prevedeva la prosecuzione dell\u2019ottico nel tattile, dove guardare fosse gi\u00e0 toccare. L\u2019aptico evoluto pare quello in cui toccare \u00e8 come guardare, dove, una volta escluso il tocco e il tatto, resta lo sguardo.
Nagasawa ha rigenerato la vita latente nella materia e sulla superficie di grandi strutture, avvicinando il corpo alla forma e allontanando lo sguardo nella luce.<\/div>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"